Intervista a Cinzia Eramo
di Alceste Ayroldi

«Lavorando sui songs e sui temi della grande tradizione moderna, non ha imboccato la strada della consuetudine interpretativa, ma al contrario ha messo a fuoco una intesa estrema che ha permesso loro di trasformare questi "materiali di lavoro" in piccole gemme di "estraneazione" creativa, in brani autonomi impregnati di tradizione e di ricerca "futuribile" tutta europea, e più ancora italiana, mediterranea.» Giorgio Gaslini

Sono parole autorevoli che descrivono l'intenzione artistica di Cinzia Eramo, una giovane jazz singer pugliese.

A.A.: La tua impostazione è molto votata all'improvvisazione. Quanto è importante per te e quali sono le tracce fondamentali dell'improvvisazione?
C.E.: L'improvvisazione ricopre un ruolo rilevante nella mia inclinazione musicale. La trovo molto stimolante, perché esalta la mia creatività artistica e la traduce in suoni, rumori, sospiri, versi, grida, parole, sillabe, respiro. Ritengo sia una musica molto coraggiosa. È una composizione estemporanea, per cui è come trovarsi costantemente sul filo del rasoio, non sai dove arriverai, che strada prenderai, se non dopo averlo fatto, sai solo da dove vieni e quello che possiedi. Quello che accade poi fra i musicisti che improvvisano è un'alchimia. È un momento delicato e magico, in cui devi cercare di conciliare le tue esigenze solistiche con quelle collettive, che possono tuttavia cambiare il corso della tua esposizione e portarti ancora una volta su un campo totalmente estraneo. Improvvisare è comunque comunicare, ognuno ha una propria storia da raccontare, e lo fa utilizzando il proprio bagaglio musicale ed esistenziale! Bisogna ascoltare e lasciarsi ascoltare, per evitare di sovrapporre idee, suoni, soprattutto quando si è in pochi, dove c'è più rischio di eccedere e di ripetersi. È energia allo stato puro.

A.A.: Quanto incide nella tua vita professionale l'attività didattica? Ritieni che sia importante anche per una crescita professionale?
C.E.: Personalmente insegno da solo tre anni, per cui non posso tirare chissà quali conclusioni, tuttavia posso dire con certezza che l'attività didattica può essere importante per un artista, ma non fondamentale. Nel senso che insegnare ti può aiutare a fissare meglio dei concetti, a ricercare meglio il rapporto fra le cause e gli effetti, ti impegna a rispondere con coerenza ai tanti perché di un allievo, tuttavia ritengo che questo sia un percorso di ricerca che ogni professionista degno di tale nome debba fare, a prescindere dall'insegnamento. Senza tralasciare il fatto che insegnare poi non è proprio la cosa più semplice e naturale che ci sia, bisogna saperci fare!

A.A.: Il concerto più brutto a cui hai assistito…
C.E.: Beh, brutto è una parola grossa, meglio scontato e un po' troppo commerciale….. quello di George Benson due anni fa a Napoli.

A.A.: Che musica ascolti?
C.E.: In realtà ascolto tanta musica, in questo mi aiutano tanto anche gli allievi!! Mi piace attraversare tutti i linguaggi musicali senza pregiudizi, sicuramente dopo opero delle scelte, ma prima ascolto.

A.A.: La tua vocalist di riferimento…
C.E.: Se devo fare solo un nome rispondo Betty Carter, colei che ha rivoluzionato il linguaggio vocale jazzistico, intervenendo lì dove nessun cantante prima aveva osato. Il suo jazz prevedeva uno svecchiamento generale di tutte quelle componenti ritmiche, timbriche e di insieme, che difficilmente un cantante poteva sovvertire: più di un musicista bebop aveva attuato tale svecchiamento, ma pochi cantanti possedevano il carisma e gli strumenti per farlo. Per esempio, ha sperimentato nuove sillabe scat per improvvisare, naturalmente suggerite dalla sua musica (non a caso era soprannominata Betty Bebop), ha giocato con il tempo andando incontro a dilatazioni e poi ad accelerazioni vertiginose, persino l'armonia viene ridotta ai minimi termini e la voce ricama melodie fluttuanti che se pur note, si stenta a volte a riconoscerle. È stata la prima donna che per garantire la pubblicazione delle proprie produzioni artistiche ha messo su una etichetta discografica nel 1971 la Betcar, oggi la sua erede è Dee Dee Bridgewater. La prima donna talent scout che nel 1993 ha costituito Jazz Ahead Program, per promuovere la formazione e l'inserimento nel circuito newyorchese talenti del calibro di John Hicks, Mulgrew Miller, Dave Holland, Lewis Nash, Greg Hutchinson. Tutta la sua musica, sia quella composta da lei che l'esecuzione stessa degli standards, riflette la sua creatività e la sua voglia di andare oltre. Nessuna sua registrazione può passare inosservata anche a causa degli eccessi nei quali a volte cade, ma è importante rischiare, anche per questo è uno dei miei modelli per eccellenza.

A.A.: Dal tuo lavoro traspare chiaramente la tradizione musicale, seppur opportunamente rivisitata: quanto è importante per te la tradizione?
C.E.: La conoscenza della tradizione è fondamentale se la si vuole attraversare e poi superare. Ho appreso dalla filosofia i tre momenti della dialettica tesi-antitesi-sintesi che in realtà tornano utili nelle scelte di ognuno di noi: alla sintesi, che nella fattispecie sarebbe la mia scelta musicale, ci sono arrivata solo dopo aver conosciuto la tradizione e ciò che le è opposta. "Spontaneous conversation" è mantenimento della tradizione ed insieme il suo superamento.

A.A.: Quanto ritieni sia importante avere visibilità negli Stati Uniti?
C.E.: Ritengo che sia molto importante, per chi come noi vive lontano da quei luoghi e da quelle atmosfere fare almeno un viaggio per assaporare quel qualcosa che né i dischi, né i tanti libri sul jazz possono darci. Poi essere addirittura visibili in America….non riesco neanche ad immaginarlo, sarebbe troppo bello….

A.A.: Sei stata finalista al prestigioso premio nazionale Massimo Urbani nonostante una concorrenza molto forte: quanto hai dovuto lavorare? Che difficoltà hai avuto?
C.E.: È stata una grande sorpresa anche per me, perché non pensavo di farcela, dico questo perché sono arrivata in finale non in concorso con altri cantanti, bensì con dei musicisti. Nella storia del Premio Massimo Urbani è stata la prima volta che un cantante è stato finalista nella sezione musicisti. Una bella responsabilità ed una grande soddisfazione. Sono arrivata nel gruppo dei primi dieci e poi addirittura negli ultimi sei. Mi è stata offerta una borsa di studio per i corsi estivi a Siena Jazz, ma la soddisfazione più grande per me è stata legata al fatto che sono riuscita a trasmettere alla giuria quello che sono, e che voglio che arrivi al pubblico. Queste sono state le parole espresse nel comunicato stampa da parte della giuria: Cantante dalle grandi qualità vocali e dalla tecnica molto personale, si caratterizza per un fraseggio quasi 'sperimentale' che sembra emergere in gruppo come quello di uno strumento. Davvero una voce che 'suona'. Mi riconosco perfettamente. Le difficoltà ed il lavoro non sono ricollegabili solo al periodo precedente il concorso, nel senso che lì ho portato tutto ciò che ho costruito negli anni, c'era sicuramente la voglia di fare bene anche perché era pur sempre un concorso e non una semplice vetrina.

A.A.: Il sogno della tua vita…
C.E.: Lavori in corso………

A.A.: Chi vorresti ringraziare?
C.E.: La persona con cui condivido sogni, aspirazioni, sconfitte e vita quotidiana! Poi la persona che mi ha trasmesso il coraggio di credere in me stessa e in quello che sento, il maestro Giorgio Gaslini.

A.A.: Chi non vorresti ringraziare?
C.E.: Tutti quelli che gravitano intorno al mondo del jazz, si nascondono dietro l'etichetta ed intralciano il cammino di tutti quelli che credono davvero nel jazz.

A.A.: L'ultimo disco che hai ascoltato? Ti è piaciuto?
C.E.: The Fred Hersch Ensemble "Leaves of grass" ispirato alla famosa raccolta di poesie "Foglie d'erba" di Walt Whitman. È pura musica poetica.

A.A.: Se ne avessi la possibilità istituzionale, che interventi attueresti in favore della musica? E cosa cambieresti dell'attuale sistema?
C.E.: La musica nelle scuole è spesso considerata un accessorio, nonostante la nascita di strutture come i licei musicali dove paradossalmente la musica, come tratto caratterizzante il corso, dovrebbe essere la materia più approfondita. La musica ha un grande potenziale creativo e di aggregazione, che andrebbe sfruttato al massimo anche e soprattutto a favore delle altre materie. Dico questo perché insegnando in una scuola privata, posso constatare giornalmente che il numero degli iscritti aumenta sempre più, e se questo accade è perché c'è una grande insoddisfazione per quello che la scuola pubblica offre. Credo anche che questo discorso vada fatto sia per la musica che per tutte le altre discipline artistiche, come la danza, la recitazione, la pittura, etc…Se potessi avere una carica istituzionale promuoverei l'arte in tutti i cicli scolastici, puntando sul fatto che favorire lo sviluppo della creatività porta l'allievo a rendere meglio nelle materie formative come la matematica, la storia, la geografia, la letteratura, la filosofia, le scienze.

A.A.: Da cosa traggono ispirazione i tuoi progetti?
C.E.: In realtà mi ispiro a tutto ciò che mi accade, a qualcosa che leggo, che vedo, che sento, che osservo, che vivo. Trovo che lasciarsi permeare da tutto ciò che viene sia fondamentale per creare tensione e movimento nel proprio discorso musicale, e penso che soprattutto nell'improvvisazione venga fuori tutto questo.

A.A.: Collabori con numerosi musicisti e in diversi progetti. Hai un progetto a cui tieni particolarmente?
C.E.: Naturalmente tengo tanto ai progetti che mi vedono anzitutto come leader, a tale proposito in questo momento ho deciso di allargare il duo, formazione del disco "Spontaneous Conversation" con il violoncellista Paolo Damiani, grande musicista ed eccellente improvvisatore. Spero sia l'inizio di una bella collaborazione.

A.A.: Che differenze riscontri, oggi, tra il jazz europeo e quello americano?
C.E.: Il jazz europeo nasce in una culla che non è New Orleans, non ha una storia che nasce dai canti degli schiavi…Non so se esista una definizione ufficiale di jazz europeo. Tuttavia penso che il jazz europeo come mistura fra l'energia delle radici africane, la tradizione europea e la musica colta contemporanea, oggi corra il rischio di discostarsi troppo dalla tradizione americana, andando sempre più incontro ad una musica popolare, etnica e dando luogo ad un fenomeno musicale, particolarmente attivo in Italia, che seppure voglia dare legittimità alla nostra tradizione musicale, poco ha a che fare con il jazz.

A.A.: Se dovessero offrirti una possibilità in ambito diverso dal jazz, l'accetteresti?
C.E.: Penso di no, per me il Jazz è una scelta e una sfida continua. Ma se me lo permetti ti giro la domanda: che cosa è diverso dal jazz, oggi? Il jazz oggi può contare su una contaminazione ed una integrazione di linguaggi tale che se da un lato può rappresentare un grande bacino di idee alle quali attingere per rinnovarsi, dall'altro questa varietà può confondere tanto da scambiare una ballata elegante, magari sanremese, in un brano jazz, addirittura anche le canzoni rock sono state arrangiate in chiave swing, basti pensare al progetto di Paul Anka, Rock Swings, ci sono anche vari esperimenti validi di musica classica riletta. Con questo voglio dire che tutto se vogliamo può essere letto in chiave jazz, ma così facendo si genera quella confusione, che porta molti a pensare che basti cantare ad es. "Mas Que Nada" o un qualsiasi brano swing o una bossanova per dire che si fa jazz. Ma la realtà è che il jazz è molto più che swing o bossanova, è molto di più...